¿De dónde vienen todos estos animalitos?

¡Yo en realidad quería ser veterinaria! Pero desistí: a los animales los iba a ver más cerca de la muerte que otra cosa. Vivía en Adrogué de chica, así que tenía muchos a mano. Tienen textura, color. ¡Son textiles en sí mismos!

En tu local hay delantales, mitones, calendarios impresos en tela para la cocina. En moda o en diseño no es muy común pensar en el hogar.

Corro por el lado de lo funcional, de lo que usás a diario, de las cosas que necesito en mi propia cotidianeidad. No centro mis colecciones en una temática, no es los Granaderos, Napoleón o la Revolución Industrial. Es Pesqueira a secas.

¿Hay arrogancia en esa frase?

No es arrogancia, ¡es decisión! Y siempre el concepto fue la identidad, es un hecho que me copa. Formo a mi marca desde ese lugar.

La cartera osito fue un hit.

Y lo más difícil es salir del hit. Hice una reposición, y al osito lo convertí en bolso más que cartera.

Es muy cute todo, muy monono. Viene de la cultura Kawaii de Japón, que es muy amplia. Es desde Hello Kitty y Sailor Moon hasta Yoshitomo Nara.

Me crié a fines de los 70s, y todo era Sanrio, la corporación que hacía Hello Kitty. Era fan de Sanrio a muerte. Little Twin Stars fue lo primero que tuve, era divino, un sacapuntas con manivela, esos de colegio. También tenía un botiquín de My Melody, y un costurerito de Hello Kitty, regalo de mi abuela paterna. Cuando viajé a Japón por primera vez, septiembre de 2008, entendí por qué los japoneses tienen esa cultura: después de las bombas en Hiroshima y Nagasaki, quedaron freakeados con todo lo feo, y todo lo vuelven lindo. Hasta los carteles de señales en la calle tienen muñequitos. Y ese es un planteo muy Pesqueira: salir de la angustia, buscar la sonrisa. La ropa, los objetos, funcionan como fantasía de escape. Hay ciertas prendas que para una son un refugio. Los japoneses tienen muchísimos mecanismos para eso. Vi en un documental de Wim Wenders donde salen las maquinitas Pachinko, que son tragamonedas, la gente se encierra en los locales a jugar, y el ruido como que los separa, los hipnotiza, están tan concentrados que parecen que meditan. De nuevo, es un escape.

¿Qué tal estuvo la feria Rooms?

Estuvo buena, la verdad. Fui tres veces a Japón, dos a Rooms en Tokyo y una para ver clientes. Estamos en varios department stores, como United Arrows, Marble, WZ, HP France, y siempre es alucinante. No hay medianeras entre las casas, no está la pared que compartís con tu vecino, el espacio es delimitado. Pasás de un mega local a un templo zen sin luz ni color. La gente no tiene mascotas en la casa, ni un gatito, y hay cafés donde hay gatos, para que vayas y los acaricies. Además, tienen un tema con la obsesión que me copa. Dibujan caritas en la espuma del capuchino. Y por eso se copan con el diseño argentino: les parece exótico, relajado, ven que tu manera de vivir y pensar es sumamente diferente, y lo añoran. Por ahí pasa. Se fanatizan. Si les gusta una remera, se la compran en todos los colores posibles. Ves todo el rollo cosplay, las gothic lolitas, chicas vestidas de Sarah Kay o Frutillitas con novios super punk rock. Mucha cultura de producción.

Hay como una eterna búsqueda de la juventud en Pesqueira, o una negación a crecer.

Tal vez. Pesqueira tiene mucho que ver con recuerdos de mi infancia, me gusta tomar esas sensaciones, esas texturas que evocan recuerdos. Las clientas se trasladan a eso, pero no es un síndrome de Peter Pan.

También, a primera vista, parece todo muy feliz.

No te creas, eh. A ver, la cartera osito: ¿cómo tiene el osito sus ojos?

Tachados, o sea muertos.

¡Exacto! Coqueteo con lo dark. No soy del todo bright y buena onda. Algo hay. Aunque no pueden pedirme depresión. No me saldría.

¿Los argentinos nos abrimos finalmente al diseño? Siempre fuimos muy funcionales.

Creo que estamos enfocando las cosas desde otro ángulo. Hace diez años, todos mirábamos a Europa. Ahora, Europa mira para acá. Desde 2001, los que viajaban dejaron de viajar, y empezó a existir Palermo. Y lo que comprabas afuera, ahora lo comprás acá. Es el viejo axioma chino: ¡crisis es oportunidad!

No hablamos de tu colección de invierno todavía.

Ah, ¡cierto! ¿Qué decir? Bueno, la silueta es muy sixties. ¿Viste que siempre estuvo la pica entre mods y rockers?

Claro, un clásico.

Bueno, ¡yo elegí mod! ¡Ja, ja, ja! Volví a estudiar a André Courréges, un genio, que me encantaba en la facultad, ese sentido de retrofuturismo. Está bien ser un clásico.

Es raro. Lo decimos nosotros y lo dice él. O sea, esto no es menswear para tibios: es individualismo puro. No existe el tono neutro, el corte simplón. Son prendas que gritan que hay un ser humano metido ahí adentro. A Walter van Beirendonck, belga, egresado en 1980 de la Royal Academy, y parte elemental del Antwerp Six, el contingente con Dries van Noten y Ann Demeeulemester que llegó a London en 1987 para demoler percepciones de indumentaria, le importa todo un carajo, excepto lo que realmente importa. Mírenle la historia, desde su label solista, o su firma 90s, Wild and Lethal Trash, co-labs con Vogue Japan y Comme des Garçons, preocupaciones rabiosas sobre el fin del planeta Tierra, el sexo con condon. Su propia galería y store en Antwerp, que se llama como él, vestuarios para ballet y teatro. Ah, y los vestuarios para U2 en el tour Popmart, hace unos 12 años. Glow, su ultimo otoño-invierno, fue una celebración de la antiforma. Es decir, ¿dónde vieron un suéter de punto verde chillón sin mangas y con un escote hasta casi el ombligo? Y Wonder The Bear, su ultimo verano, fue con un montón de osos muy masculinos en pasarela. Eso es reírse un poco también.
-Tu última colección es de lo más divertido que vimos en años.
-Ah, ¡Wonder The Bear! ¡Muchas gracias! Quise divertirme un poco más esta vez, ser más sexual, principalmente en el show, en la puesta en escena, y en hacer una colección que me satisfaga totalmente, sin ceder un centímetro. Hay un comentario sobre las corporaciones también, es ver un poquito más allá de la iconografía.
-¿En qué sentido?
-Por ejemplo, Apple y su logo: ¡no están pensando en una manzana, precisamente! Creo que todavía hay espacio en la moda para decir y hacer cosas como estas. Sino, no tendría gracia.
-Tu menswear nunca fue convencional. Hay que tener un par de agallas para usarlo en público.
-Siempre disfruté diseñar para hombres desde el comienzo, hace no sé cuántos años. Me gusta intentar un cambio de fronteras. En muchas colecciones experimenté e investigué muchísimo, pero aún así, me importa terminar con un producto que puedas usar, que se vea bien, que genere un balance en el cuerpo de un hombre.
-Siempre se puede combinar.
-¡Claro! Podés usar una t-shirt, un sweater, unos jeans, pero también algo distinto para subrayar que hay un carácter aventurero en tus elecciones de ropa.
-1987, la época de Antwerp Six.
-Hace 23 años, y eramos muy jóvenes, inocentes. Dries, Anne, todos nosotros que íbamos a la Royal Academy, un período fabuloso. No teníamos ni idea de cómo conquistar el mundo de la moda, pero eramos ambiciosos, así que ibamos a hacerlo de todas formas. Queríamos salir de Bélgica. Fue una decision práctica, y tuvimos un montón de atención cuando montamos el show en Londres. Ahí la gente se dio cuenta.
-¿Qué tiene de especial la Academy?
-Es que es un lugar único. Te permiten cuatro años de estudio con tu propia vision, tu propia firma. Te guían profesores, lógicamente, pero con mucha individualidad, y los alumnos desarrollan su estilo propio. Diseñan sin miedo.
-Vamos con terminología. Cuerpo humano. ¿Qué te significa?
-¡Mucho! Es un elemento importantísimo, o sea, ¡lleva la ropa que hago! Quiero mostrarlo, acentuarlo, detallarlo. Si está, que se use.
-Color.
-Algo crucial, nunca le huí al color para expresarme en mis colecciones, para subrayar las formas, para que el arte funcione.
-¿Pop?
-No en el sentido tradicional en que se aplica. Creo que le da a mi trabajo una impronta más contemporánea, un optimismo y una alegría que me interesa reflejar.
-A veces es difícil creer que puedas operar en la misma jungla en que existen Chanel o Dior. El término moda es muy amplio.
-Es raro, ¡ja, ja, ja! Amo y odio al mundo de la moda al mismo tiempo, cuesta creerlo. Es decir, amo a la moda como un hecho de comunicación, crear ropa para contar historias a través de una serie de prendas. Eso siempre me interesó. Pero no puedo soportar la mentalidad superficial y asesina, copiona, sedienta de billetes, donde todo es rápido y fácil.
-Uno de los puntos altos de tu resumé es el vestuario para el tour Popmart de U2.
-¡Cierto! Trabajar con Bono y la banda fue fantástico. Tenía muchísimo respeto hacia mí y lo que aportaba, era algo muy estimulante. Esos trajes se veían bien. Y me gusta trabajar en otras cosas. Ya hice vestuarios para ballet y teatro, por ejemplo.
-¿Te quedan deudas todavía?
-Te digo una: algo para cine, ciencia ficción o fantasia. Te juro me encantaría.

Sos un fan, y no estás solo. Hay toda una comunidad híper activa en cuanto a Lego.
Es que me emocionan los Legos desde que tengo memoria. Ahora, te inspirás fácil, la comunidad de fans de Lego es muy grande. Veo cosas similares a las mías que me sorprenden muchísimo. Sin Internet, además, esto no existiría. La habilidad de mostrar y compartir online fue lo que nos inspiró a todos los que creamos con Lego y formamos una comunidad. La gente ve que es posible, que otro lo hace mejor, y vos querés mejorar lo que el otro hace. Va a seguir creciendo, te lo aseguro, las creaciones Lego solo están limitadas por la mente del constructor. Las posibilidades, digamos, son infinitas.

¿De dónde viene la idea de los CubeDudes?
La idea de los CubeDudes salió de un patrón de necesidad, algo que pudiera hacer rápido y que no me tomara mucho espacio. Esto es algo irónico, ya que tengo 220 CubeDudes. Primero fue Snake Eyes, el ninja de G.I Joe, con más cabeza que cuerpo, ya que los CubeDudes son un tanto deformes, me parecía más appealing que a una escala normal. Terminé, ¡y quería hacer más! Empecé con una lista enorme y recién hoy estoy a medias. Les tengo amor, tengo que verles algo que dé gracioso en forma CubeDude, aunque otros constructores me ganan de mano a veces. Larry Lars es muy bueno, se los recomiendo a todos. Primero viene la idea, buscar referencias, vivir un poco en Google Images. Tengo 20 recipientes grandes con elementos básicos, y una serie de principios.

Te debés frustrar mucho cuando no aparece la pieza correcta.

¡Mucho! Muchas de las partes que no puedo encontrar y necesito son muy raras o jamás existieron. Lego Digital Designer es una herramienta maravillosa, pero la selección de piezas es algo limitada. Peeron.com tiene muchísimas partes, listas de las partes de todos los sets en décadas de Lego. Uso mucho bricklink.com, que es una red internacional de vendedores de ladrillos. Trato de ser lo más fiel posible a la paleta del original. Por ejemplo, Lego casi hi hace o hizo piezas en púrpura oscuro, así que no puedo hacer un buen Skeletor de He-Man. Y tampoco voy a mostrar en mi Flickr algo que no me convence. Tuve un C-3PO de Star Wars, pero no salió tan bien, el original es tan icónico y simple que no le hice justicia.

¿Esto es una especie de moda, o es una tendencia realmente válida en el arte?

Cuando Lego anunció en 2003 que tuvo problemas financieros, tuve miedo de que se disolviera. Ahora, estoy menos preocupado, y no estoy tan seguro de que Lego responda a una moda. Si sos un adolescente preocupado por dejar atrás tu infancia, seguro que no. Para mí, Lego define el cool, pero es por lo que yo quiero y puedo hacer con Lego. De verdad es importante para mí. CubeDude va a seguir todo lo que se pueda. No me muevo de esto.

No podemos dejar de preguntarte por Pixar. Debe ser como trabajar en un parque de diversiones… ¡o algo así!

Hice muchas cosas en Pixar, trabajé en el departamento de guión, el de arte. Hice animaciones en cada film de Pixar excepto la primer “Toy Story”, y tuve la suerte enorme de dirigir “Burn-E”, un corto especial para el DVD de “Wall-E.” Hace 13 años que trabajo para Pixar, y es muy serio, nos tomamos muy a pecho la calidad, podés frustrate fácil. Aunque es diez veces mejor que estar en un banco. De todas formas, ya escuché la analogía del parque de diversiones o la fábrica de sueños. Pero también pregúntense: ¿cuáles son las condiciones laborales? ¿Hay buen plan de odontología? Los sueños son muy lindos cuando los ves terminados, ¿pero es fácil hacerlo? Te digo que es una tonelada de trabajo. Como los CubeDudes.

¿Cómo empieza todo esto?
Ricky: nacimos en Staten Island, New York. Empezamos en moda, mmm, no sé cuándo exactamente, ¡creo que antes de sexto grado! Le pedía a mi mamá bloquecitos y cositas, y lo hacía con Dee, que está ahí.
Dee: Totalmente, desde que eramos chicos que hacíamos Lego. Eramos, no sé, unos nenes que apenas caminaban.
Ricky: Depende. Robar de negocios, vaguear en Manhattan y Brooklyn, tomarnos el ferry de Staten Island todos los días, mirar muchos cartoons como Mighty Max y los Ghostbusters, o conocer chicas portorriqueñas muy hot. Ibamos a un colegio donde había solo tres chicos negros, y como somos un poco idénticos, nos cambiábamos de clase y se volvían todos locos.
¿El breakthrough?
Ricky: la co-lab de Marc Jacobs en 2007, eso fue el breakthrough. ¡Nuestro big break! Después hicimos cosas como Starter.
Dee: cinturones y broches para pelo inspirados en Lego, manzanas.
Varios los aman.
Ricky: Kanye nos usa, es un fan, ultra cool que lo haga, vino al show de Marc y alucinó, se puso nuestras cosas para ir a los fashion weeks en Europa. Divino. Hay que saber diferenciar entre la calle y la alta moda, los supereventos y todo eso. Saber cuándo decir “Nigga” y cuándo sentarse a charlar con Anna Wintour o André Leon Talley de Vogue.
¿Qué co-lab les falta?
Ricky: Lysol, productos químicos, Procter and Gamble, grandes industrias. O las galletitas Pepperidge Farm, ¡hacer unas de Lego!
Dee: mi abuela, me encantaría una co-lab con mi abuela, ni hablar. Gramz rockea.

De todos los lugares en el mundo, pasó en Argentina.

Establecí un lugar. John Creamer con su remix fue instrumental, así como Lance Jordan, mi compañero de composición, para crear este cuerpo de trabajo, y la Metro esparció la palabra. Me siento en casa aquí, de verdad te lo digo. Toqué anoche en Kika, y había gente para verme pasada la medianoche, fans, personas de 20 o 30, que tienen que ir a trabajar a la mañana siguiente. Me tienta ser residente. Hice un show en MusicClub y había 600 personas enloquecidas. En New York, es como un cierto anonimato, y aquí es como salir a hacer incendios, con muy poquita promoción. Lo conocí a Pedro Delquy, argentino, que estaba haciendo un video para la campaña del alcalde Bloomberg, y hoy es mi tour manager aquí, y también toca conmigo en vivo, se encarga de las secuencias, los sintetizadores y la parte electrónica. Vino y me dijo: “Let’s go!”. Es esa presión la que hace diamantes. Aquí la gente quiere hacer negocios.

Sos muy sincero sobre tu situación. No hay aires de grandeza aquí.

Como decía Mark Twain: “Decí la verdad y nadie recordará otra cosa.” No tengo tiempo ni ganas de conjurar una imagen que no me corresponde. Y voy a seguir en esto hasta que se me acaben los resultados. Ya no podía tocar en New York, me resultaba carísimo pagarle a una banda, a músicos. Cada show me salía 800 dólares de mi propio bolsillo. Puse el track como una pista de sonido en Youtube, la gente lo escucha una y otra vez. MGMT, The Teenagers o Cut Copy no están tan lejos de lo que hago. Y son como Goliat. Yo vengo aquí con mi valija y una sonrisa, nada más. Es pura suerte.

De nuevo, el remix de Creamer voló lejos. Fue número 1 en La Metro y sigue sonando.

La gente lo baila en Argentina o Lituania. No es para la mitad de un set. Es más para cerrar. Creamer lo usa para sus cierres. Recibí emails de la gente de Pachá, que alucinaron con “Can One Day Change Your Life”, mientras lo escuchaban a la salida del sol en Ibiza en Año Nuevo. John no quería hacer un track de dance. ¡Sólo mejorar el original! Hay un clip mío en Youtube, tocando en un bar chiquito en New York, y antes del tema digo: “¿La conocen esta? Es número 1 en la radio Metro en Buenos Aires.” ¡Y había dos porteños mirando! Cuando empezó todo esto, ni podía decir “Buenos Aires” correctamente. Ahora me sale mejor.

La historia de “Empty Girl” es muy de corazón roto.

Y era una chica que se fue, que quería otra cosa, muy típico. No puedo dar vuelta el reloj, cambiar el pasado. Escribí esa canción como un espejo para mí mismo. Si alguien así entra en tu vida, mejor que estés agradecido. Te dejan canciones hermosas. Sentís una fuerza emocional tan fuerte que te dejan cosas así.

¿Y qué pasó?

Se casó, hoy tiene hijos, una vida. Hace un tiempo me llegó un mensaje de texto de ella, para que hablemos. Hubo un cierre. Es horrible tener rencores, te envejece, te dobla.

Algunas fans te dieron besos en Kika.

¡Y me encanta! No salgo a cazar groupies, pero tengo problemas en besar a mis fans. Recuerdo sus nombres, me escriben al día siguiente un e-mail. Una que otra tiene que esconder su anillo de compromiso, ¡ja, ja, ja! Todas estas chicas hermosas. Te juro me fascinan los misterios de la mujer. Es raro. En Estados Unidos a las chicas les pegó más la revolución sexual, salen a divertirse como los hombres, son agresivas. En Argentina, no tanto.

Todo rinde para canciones.

Nada mejor que contar historias, algo a lo que todos nos podamos relacionar. ¡Eso soy yo! Ahora estoy con una nueva, “Finally Here”, la estoy componiendo con un amigo, Gaby Dershin, y es su historia. Conoció una chica por Internet… ¡que vivía en China! Es un romance de larga, larga distancia. Se hablaron por años, hasta que ella fue a New York. Finalmente llegó ahí. Gaby me contó la historia, así que salí y escribí: “Sale el sol, los días oscuros cambian, finalmente estoy aquí.” Y es como me siento con Argentina, puntualmente.

Hay una recompensa.

¡Claro que sí! Es levantar el resultado de trabajo duro, de tocar por años en bares, y es la libertad para disfrutar de ese resultado. No importa si hacés uno o dos shows malísimos, realmente. Hay una fascinación atrás de todo esto.