Miércoles 2 de Julio, Madero Harbour, Jessica Trosman se reafirma o se reinventa a sí misma, depende de cómo lo mires. “Renovación¨ es el nombre de esta colección totalmente futurista en su idea y resultado final. Recortes, geometría, satén, lana, terciopelo, texturas y látex para una silueta casi sixties. Neutros, beige, hielo y metal dan el anti-color para un close-up entre moda y arte, convirtiendo cada prenda en una pieza única. Extrañamente, la inspiración no es “Metrópolis” de Fritz Lang o cualquier noción futurista del siglo XX que ya queda retro, sino Villa Crespo, Paternal, cancha de Atlanta, dice Jessica, una de las primeras en pensar y hacer diseño de autor en esta República desde los 90s, y ahora desde Italia, en su Blackberry, en gira business. Vamos por algo elemental.

¿Qué es la elegancia?
Para mí la elegancia es sinónimo de personalidad, ya no existe la elegancia por el hecho de estar bien arreglado. Es ser genuino, tener personalidad. Realmente me cago en la elegancia, cuando se toma como figura de diccionario. Llamamos elegante a lo que es gracioso, sencillo, bien proporcionado, suave en sus movimientos. O sea, ¡tremenda elegancia!

¿Siempre te autovestís? ¿Nunca otra cosa que Trosman?
Claro, siempre Trosman, pero me permito zapatos y carteras que a veces son no-Trosman. Ahora con la nueva línea de zapatos y carteras que estamos sacando pretendo estar 100 por ciento Trosman, ¡ja, ja, ja!

Los 90s: ¿cómo fue empezar a diseñar, establecer una marca? Fuiste una de las primeras en establecer una noción de diseño de autor en Buenos Aires.
Fue algo espontáneo sin mucho pensamiento detrás, fueron siempre ganas gigantes de hacer lo que yo quería de mi vida, sin mucho pensamiento. Quería hacer ropa desde los 10 años. Por casualidades de la vida me fui transformando en alguien con conocimiento textil por vivir en Argentina y no tener acceso a géneros diferentes. Ojo, no es una queja, sino que gracias a esas incomodidades de la vida conocí situaciones que me hicieron muy feliz como son el diseño textil o la mutación de las prendas. Yo creo que cuando uno visualiza lo que quiere no hay barreras, ni kilómetros de distancia, ¡ni problemas!

Hoy vendés en más de 20 países del mundo.
Y me encanta Buenos Aires, es donde me siento más cómoda, es mi inspiración máxima ya que paso casi todo mi tiempo acá. Mi fábrica me inspira, Atlanta me inspira, mis amigos.. O sea, me encanta viajar y ver gente, pero creo que mi fuerza sale de Atlanta, de Paternal o Villa Crespo como algunos le dicen!

Trosman está cada día más consolidada en el mercado asiático. ¿Cuál su diferencia con Europa? ¿Son más arriesgados?
Asia es un mercado arriesgado y le gusta descubrir nuevos diseñadores, aunque este año estoy consolidándome con fuerza en un mercado difícil que es el italiano, y para mí tiene que ver con que fui madurando la silueta. Los tanos entienden mucho de moda, de lo textil, de cómo queda la ropa. Son super exigentes. La mujer tiene que ser moderna pero sexy al mismo tiempo. No es cosa fácil. En Asia, a las mujeres no les importa si la prenda te mejora o te hace gorda: disfrutan del diseño en sí.

¿Cuál es el beneficio de producir tus productos en China o en Japón?
En realidad no es un beneficio económico sino de aprendizaje: usan otras máquinas, telas, tejidos y aprendés cómo se pueden mejorar las producciones y el diseño.

Entonces, ¿qué se siente reconocer a alguien usando un auténtico Trosman por las calles de Japón o Berlín?
Ayer en una fiesta en Milán me encontré con una chica con un vestido de Trosman que se compró en Buenos Aires y también un chico italiano con una mochila Trosman. Me encanta que pasen estas cosas, no por el ego sino porque veo de dónde salieron, cómo fue el proceso, ¡y además me río mucho!

El año pasado cerraste un deal con Ausway Trading quien comercializa marcas como Chloé, Stella Mc Cartney y Louis Vuitton.
Sí, pero todavía no estoy ni un poco cerca de estos monstruos, aún estoy aprendiendo para algún día llegar a tener mi marca bien fuerte mundialmente.

Fuiste reconocida por I-D y Taschen en Fashion Now como una de 150 diseñadores en todo el mundo. Ahi no entra cualquiera. No los que siguen tendencias, sino los que las generan.
La verdad es que la aparición en los tres libros que salió Trosman dentro de los 150 diseñadores del mundo, me llenaron de mucha emoción y alegría. Y creo que mi tendencia es muy de lo que pasa en mi fábrica, es más que genuina y logramos todo con tanto esfuerzo que para mí eso se ve reflejado en las prendas. Creamos todo, desde el textil, hasta el último papelito. A veces creo que deberíamos ser menos creativos.

¿Y cuál es la marca registrada de Trosman? ¿Qué hace que la gente vuelva a buscar tus diseños?
Creo que son diseños con mucha vuelta de pensamiento, eso se ve en las colecciones. Además son prendas muy ponibles y el lujo que hacemos es un lujo irónico, donde el metal precioso es un pedazo de plástico.

Tu última colección: ¿de dónde viene? ¿Qué propone?
La propuesta fue pensar en resaltar los sacos, camperas. Hay mucho futurismo. Quisimos poner énfasis en lo de arriba, por ende las minis eran más simples en cuanto al diseño, que el ojo vaya hacia arriba. Mucha geometría, dejamos lo orgánico un poco de lado y propusimos una línea de vestidos que se veían como piezas de arte casi sin terminar a pesar de estar terminadas.

En tu última colección el textil vuelve a tomar protagonismo ¿Cómo es el desarrollo textil de tus colecciones?
Esta vez salió del deseo de poder generar la textura de las personas que se ponen cosas en la piel, como si tuvieses un mundo adentro que no puede salir, y lo logramos usando látex, hicimos también que ese mundo saliese en ciertos momentos. También experimentamos mucho pero siempre lo logramos, el equipo de trabajo es genial y tiramos mucho para que todo salga. Somos ambiciosos en lograr cosas difíciles

¿Qué consejo le darías a un estudiante de indumentaria hoy? ¿Cómo hace uno para no mirar lo que hace el resto?
Yo le diría: “Mirá todo.” ¡Siempre y cuanto antes mires más claro vas a tener lo que querés hacer vos! sas que me propuso.

TEXTO: Magalí Fischtein
FOTOS: Pablo Franco
ESTILISMO: Eugenia Rebolini
ASISTENTE: Natasha Johnson
MAKE UP: Vero Momenti con productos L’Oreal Paris
PELO: Lucas Barbolla para Estudio H
LOCACION: Madero Harbour

Tu profesión, y por qué la elegiste.
No la elegí, se dio naturalmente. Siempre morí por la ropa y la moda.

¿Quién o quiénes te enseñaron lo que sabés?
Nadie me enseñó, lo fui aprendiendo en el día a día, en el ensayo y error. Me considero creativa. ¡Me copa crear!

Tu primer trabajo en tu profesión.
No tuve, arranqué directamente en el diseño y con los moldes en nuestros talleres de costura.

¿Qué es ser chic?
¡Ser chic es lo más! Es tener estilo, pero estilo de vida, no solo para vestirte.

Tu tema preferido del disco Casa Chic 7
“La Vie en Rose” de Almadrava.

¿Algo en web?
kosiuko.com

¿De dónde vienen todos estos animalitos?

¡Yo en realidad quería ser veterinaria! Pero desistí: a los animales los iba a ver más cerca de la muerte que otra cosa. Vivía en Adrogué de chica, así que tenía muchos a mano. Tienen textura, color. ¡Son textiles en sí mismos!

En tu local hay delantales, mitones, calendarios impresos en tela para la cocina. En moda o en diseño no es muy común pensar en el hogar.

Corro por el lado de lo funcional, de lo que usás a diario, de las cosas que necesito en mi propia cotidianeidad. No centro mis colecciones en una temática, no es los Granaderos, Napoleón o la Revolución Industrial. Es Pesqueira a secas.

¿Hay arrogancia en esa frase?

No es arrogancia, ¡es decisión! Y siempre el concepto fue la identidad, es un hecho que me copa. Formo a mi marca desde ese lugar.

La cartera osito fue un hit.

Y lo más difícil es salir del hit. Hice una reposición, y al osito lo convertí en bolso más que cartera.

Es muy cute todo, muy monono. Viene de la cultura Kawaii de Japón, que es muy amplia. Es desde Hello Kitty y Sailor Moon hasta Yoshitomo Nara.

Me crié a fines de los 70s, y todo era Sanrio, la corporación que hacía Hello Kitty. Era fan de Sanrio a muerte. Little Twin Stars fue lo primero que tuve, era divino, un sacapuntas con manivela, esos de colegio. También tenía un botiquín de My Melody, y un costurerito de Hello Kitty, regalo de mi abuela paterna. Cuando viajé a Japón por primera vez, septiembre de 2008, entendí por qué los japoneses tienen esa cultura: después de las bombas en Hiroshima y Nagasaki, quedaron freakeados con todo lo feo, y todo lo vuelven lindo. Hasta los carteles de señales en la calle tienen muñequitos. Y ese es un planteo muy Pesqueira: salir de la angustia, buscar la sonrisa. La ropa, los objetos, funcionan como fantasía de escape. Hay ciertas prendas que para una son un refugio. Los japoneses tienen muchísimos mecanismos para eso. Vi en un documental de Wim Wenders donde salen las maquinitas Pachinko, que son tragamonedas, la gente se encierra en los locales a jugar, y el ruido como que los separa, los hipnotiza, están tan concentrados que parecen que meditan. De nuevo, es un escape.

¿Qué tal estuvo la feria Rooms?

Estuvo buena, la verdad. Fui tres veces a Japón, dos a Rooms en Tokyo y una para ver clientes. Estamos en varios department stores, como United Arrows, Marble, WZ, HP France, y siempre es alucinante. No hay medianeras entre las casas, no está la pared que compartís con tu vecino, el espacio es delimitado. Pasás de un mega local a un templo zen sin luz ni color. La gente no tiene mascotas en la casa, ni un gatito, y hay cafés donde hay gatos, para que vayas y los acaricies. Además, tienen un tema con la obsesión que me copa. Dibujan caritas en la espuma del capuchino. Y por eso se copan con el diseño argentino: les parece exótico, relajado, ven que tu manera de vivir y pensar es sumamente diferente, y lo añoran. Por ahí pasa. Se fanatizan. Si les gusta una remera, se la compran en todos los colores posibles. Ves todo el rollo cosplay, las gothic lolitas, chicas vestidas de Sarah Kay o Frutillitas con novios super punk rock. Mucha cultura de producción.

Hay como una eterna búsqueda de la juventud en Pesqueira, o una negación a crecer.

Tal vez. Pesqueira tiene mucho que ver con recuerdos de mi infancia, me gusta tomar esas sensaciones, esas texturas que evocan recuerdos. Las clientas se trasladan a eso, pero no es un síndrome de Peter Pan.

También, a primera vista, parece todo muy feliz.

No te creas, eh. A ver, la cartera osito: ¿cómo tiene el osito sus ojos?

Tachados, o sea muertos.

¡Exacto! Coqueteo con lo dark. No soy del todo bright y buena onda. Algo hay. Aunque no pueden pedirme depresión. No me saldría.

¿Los argentinos nos abrimos finalmente al diseño? Siempre fuimos muy funcionales.

Creo que estamos enfocando las cosas desde otro ángulo. Hace diez años, todos mirábamos a Europa. Ahora, Europa mira para acá. Desde 2001, los que viajaban dejaron de viajar, y empezó a existir Palermo. Y lo que comprabas afuera, ahora lo comprás acá. Es el viejo axioma chino: ¡crisis es oportunidad!

No hablamos de tu colección de invierno todavía.

Ah, ¡cierto! ¿Qué decir? Bueno, la silueta es muy sixties. ¿Viste que siempre estuvo la pica entre mods y rockers?

Claro, un clásico.

Bueno, ¡yo elegí mod! ¡Ja, ja, ja! Volví a estudiar a André Courréges, un genio, que me encantaba en la facultad, ese sentido de retrofuturismo. Está bien ser un clásico.

Es raro. Lo decimos nosotros y lo dice él. O sea, esto no es menswear para tibios: es individualismo puro. No existe el tono neutro, el corte simplón. Son prendas que gritan que hay un ser humano metido ahí adentro. A Walter van Beirendonck, belga, egresado en 1980 de la Royal Academy, y parte elemental del Antwerp Six, el contingente con Dries van Noten y Ann Demeeulemester que llegó a London en 1987 para demoler percepciones de indumentaria, le importa todo un carajo, excepto lo que realmente importa. Mírenle la historia, desde su label solista, o su firma 90s, Wild and Lethal Trash, co-labs con Vogue Japan y Comme des Garçons, preocupaciones rabiosas sobre el fin del planeta Tierra, el sexo con condon. Su propia galería y store en Antwerp, que se llama como él, vestuarios para ballet y teatro. Ah, y los vestuarios para U2 en el tour Popmart, hace unos 12 años. Glow, su ultimo otoño-invierno, fue una celebración de la antiforma. Es decir, ¿dónde vieron un suéter de punto verde chillón sin mangas y con un escote hasta casi el ombligo? Y Wonder The Bear, su ultimo verano, fue con un montón de osos muy masculinos en pasarela. Eso es reírse un poco también.
-Tu última colección es de lo más divertido que vimos en años.
-Ah, ¡Wonder The Bear! ¡Muchas gracias! Quise divertirme un poco más esta vez, ser más sexual, principalmente en el show, en la puesta en escena, y en hacer una colección que me satisfaga totalmente, sin ceder un centímetro. Hay un comentario sobre las corporaciones también, es ver un poquito más allá de la iconografía.
-¿En qué sentido?
-Por ejemplo, Apple y su logo: ¡no están pensando en una manzana, precisamente! Creo que todavía hay espacio en la moda para decir y hacer cosas como estas. Sino, no tendría gracia.
-Tu menswear nunca fue convencional. Hay que tener un par de agallas para usarlo en público.
-Siempre disfruté diseñar para hombres desde el comienzo, hace no sé cuántos años. Me gusta intentar un cambio de fronteras. En muchas colecciones experimenté e investigué muchísimo, pero aún así, me importa terminar con un producto que puedas usar, que se vea bien, que genere un balance en el cuerpo de un hombre.
-Siempre se puede combinar.
-¡Claro! Podés usar una t-shirt, un sweater, unos jeans, pero también algo distinto para subrayar que hay un carácter aventurero en tus elecciones de ropa.
-1987, la época de Antwerp Six.
-Hace 23 años, y eramos muy jóvenes, inocentes. Dries, Anne, todos nosotros que íbamos a la Royal Academy, un período fabuloso. No teníamos ni idea de cómo conquistar el mundo de la moda, pero eramos ambiciosos, así que ibamos a hacerlo de todas formas. Queríamos salir de Bélgica. Fue una decision práctica, y tuvimos un montón de atención cuando montamos el show en Londres. Ahí la gente se dio cuenta.
-¿Qué tiene de especial la Academy?
-Es que es un lugar único. Te permiten cuatro años de estudio con tu propia vision, tu propia firma. Te guían profesores, lógicamente, pero con mucha individualidad, y los alumnos desarrollan su estilo propio. Diseñan sin miedo.
-Vamos con terminología. Cuerpo humano. ¿Qué te significa?
-¡Mucho! Es un elemento importantísimo, o sea, ¡lleva la ropa que hago! Quiero mostrarlo, acentuarlo, detallarlo. Si está, que se use.
-Color.
-Algo crucial, nunca le huí al color para expresarme en mis colecciones, para subrayar las formas, para que el arte funcione.
-¿Pop?
-No en el sentido tradicional en que se aplica. Creo que le da a mi trabajo una impronta más contemporánea, un optimismo y una alegría que me interesa reflejar.
-A veces es difícil creer que puedas operar en la misma jungla en que existen Chanel o Dior. El término moda es muy amplio.
-Es raro, ¡ja, ja, ja! Amo y odio al mundo de la moda al mismo tiempo, cuesta creerlo. Es decir, amo a la moda como un hecho de comunicación, crear ropa para contar historias a través de una serie de prendas. Eso siempre me interesó. Pero no puedo soportar la mentalidad superficial y asesina, copiona, sedienta de billetes, donde todo es rápido y fácil.
-Uno de los puntos altos de tu resumé es el vestuario para el tour Popmart de U2.
-¡Cierto! Trabajar con Bono y la banda fue fantástico. Tenía muchísimo respeto hacia mí y lo que aportaba, era algo muy estimulante. Esos trajes se veían bien. Y me gusta trabajar en otras cosas. Ya hice vestuarios para ballet y teatro, por ejemplo.
-¿Te quedan deudas todavía?
-Te digo una: algo para cine, ciencia ficción o fantasia. Te juro me encantaría.

Que te traten de sucesora de Philip Treacy, algo así como el gran visir para sombreros, headdresses y accesorios, que diseñó y montó en formas y materiales revolucionarios para literalmente TODOS (Alexander McQueen, Chanel, Helmut Lang, Thierry Mugler y esto sigue), bueno, quizá es too fucking much. Shilpa Chavan, su alumna-discípula en la academia Saint Martins, con su propio sello, Little Shilpa, tiene con qué soportarlo. Es decir: míren. Anarquismo visual, una falta de respeto por el concepto de espacio, donde cualquier cosa va en cualquier lado, todo rejuntado para revolverlo otra vez, y un bravado lúdico y pop que le corresponde al Galliano más encendido, o a Tao Kurihara y Junya Watanabe en Comme des Garçons. Es como una instalación portatil, dice Shilpa. Y nos encanta. Vogue, a través de Style.com, aplaudió de pie, y las stylists de Dazed & Confused o Another Magazine se ponen como locas e incluyen, incluyen y vuelven a incluír. Ah, todo esto no es London ni París: es India, el golpe máximo del último Fashion Week en Mumbai donde Shilpa presentó Battle Royale, su nueva colección con reyes que gritan en sánscrito y juguetería militarizada.
-¿De dónde viene esta mezcla?
-Vi una foto grupal de principios del siglo XX, de un grupo de Maharajas, los antiguos reyes de India, y oficiales militares, y era una juxtaposición increíble: el poder hereditario de los Maharajas, y el supuesto poder y valor de los oficiales, que se gana a través de escalar rangos, de demostrar valor. O sea, la herencia contra el poder, cada uno en su espacio. Eso me empujó, para concebir toda la colección como una pieza de arte colectiva, como una galería montada sobre seres humanos.
-¿Y por qué sombreros, tocados, accesorios en un primer lugar? Todas las chicas y chicos, cliché indica, piensan en diseñar vestidos.
-¡Es que eso me pasó! Hice vestidos, ropa, pero me harté de depender de sastres y costureras. Había crecido fascinada por las coronas gigantes de los dioses hindúes, o de Mary Poppins y su sombrerito, en mi Viewmaster. De ahí viene mi amor por la sombrerería. Y quería hacer cosas con mis manos, de principio a fin, involucrarme en la manufactura. Era muy desafiante: que cada pieza fuera distinta a la anterior, única de verdad.
-“Imposible de usar”, “viabilidad comercial”: ¿te suenan esos términos?
-¡Ja, ja, ja! ¡Claro!
-¿Te representan un freno?
-No realmente. Si esos terminos o reglas conformadas afectan la manera en que pienso o diseño, entonces todo mi proceso creativo se daña, y no lo quiero. De verdad, no son un freno. También trabajo como artista, con instalaciones, y mis piezas más chicas vienen de mis trabajos de instalación. Están catalogando mi trabajo como “arte usable”. Eso me suena mejor.
-En stores como My Sugarland en Londres, un Little Shilpa chiquito puede estar a 100 euros. Eso, digamos, es un precio bastante bajo.
-Y es, para mí, una política bastante sensata. Creo que cuando comenzás en un mercado totalmente extranjero, te van a juzgar muy duro. Prefiero empezar chiquito, que la gente pueda pagar lo que hago,y lo juzguen ellos mismos, que puedan apreciarlo mientras se lo ponen. Podés pensar también que 100 euros es muy caro, pero lo comprás, por el valor que te representa, por el diseño mismo. Así que funciona de ambas formas.
-¿Saint Martins con Philip Treacy? Algunos te tratan de su justa sucesora.
-Mmm, ¡tanto como su sucesora no sé! Pero Saint Martins fue un nuevo mundo totalmente. Salía de India, y me exponía a Londres, a su proceso de diseño y pensamiento, y pude verlo globalmente. Trabajar con Philip, aprender de él, verlo trabajar, fue una experiencia que de verdad te vuelve humilde, que te enseña a apreciar tu oficio. Me enseñó a pasar tiempo con mis piezas, a terminarlo todo a mano. Es alguien muy generoso.
-También, producir y exhibir en India es bastante no convencional también. Hay un prejuicio de que el diseño de calidad solo puede salir de Londres o París.
-No hay una lucha cuando hago un show. La lucha real es cuando realmente entrás en el mercado. Y no lo llamaría prejuicio realmente, porque Londres o París son muy abiertos al pensamiento creativo, y puede absorber muchas culturas e influencias y adaptarlas.
-Pero cuando se enteran que todo esto viene de India…
-¡Ahí se shockean!