TEXTO: Astrid Perkins
FOTO: Tef Iselli

Hoy, viviendo sobre el mar, con Simón, su hijo de 4, perros, gatos, caballos y un aire limpio, Gaba prepara su regreso al mundo de la moda con más fuerza que nunca. Una argentina que, esté donde esté, es puro vértigo.

¿Cómo empezaste en el mundo de la moda?
Inesperadamente. Viví en Corrientes hasta los 15, así que no puedo decir que mis referentes de moda eran urbanos y glamorosos. Pero hoy me doy cuenta que todos ellos estaban en lo cotidiano, en la tradición del campo correntino, sus tientos y platería y, sobre todo, su belleza brutal, que mi madre lo transformaba en femenino y sofisticado. Ella tenia una belleza indígena y lo sabia explotar, se hacia admirar. Me ha servido de inspiración hasta hoy.

¿Fue tu primera opción en la vida?
Primero me equivoqué de camino. ¿Pero quien no se equivoca a los 17? Hice tres años de arquitectura. Por suerte trabajaba al mismo tiempo asistiendo a Cristina Sainan, directora de GRAFA, y ahí se fue develando que mi busqueda era otra. Ella era súper francesa y me llenó de ganas de ir a Paris, donde vivía una de mis hermanas. Me fui en el 94 a Studio Berçot. Entré sin saber que eran una elite de moda. Ahí sufrí como loca y pague un duro derecho de piso. Pero pronto pasé a ser la protegida de Madame Rucki , directora de Berçot y se convirtió en un placer. Despues aprendí mucho más con mis pasos por Martíne Sitbon, Guy Laroche, Chanel y Balmain con Gilles Dufour.

¿Y cómo lanzaste tu marca, Vasseur Esquivel?
Con mi socio Thomas Vasseur hicimos Studio Berçot juntos. Después ambos hicimos diversos caminos. El venia de trabajar con Jean Paul Gaultier y Azzedine Alaia. Nos reencontramos y decidimos hacer algo juntos lejos de la presión de París. Llevé telas de Paris e Italia a Buenos Aires, hicimos un scouting en la casa de mi padre y nació nuestra primer colección coincidiendo con el crash del gobierno de De la Rúa. Nuestro proyecto de vender en Buenos Aires se esfumaba. Llevamos la colección a New York. Ahí fuimos rechazados, no entendían nada, dúo franco-argentino, trabajando en Buenos Aires con telas europeas, mucha info… Poco creíble. El tiempo de venta de colecciones estaba terminado al igual que nuestro budget para seguir girando en New York.

No quedaban muchas opciones.
Tal cual. Así que nos fuimos a comer a Smith, el restaurant mas top de la moda en New York a gastarnos los últimos dólares que nos quedaban. Y fue la salvación. Al entrar vimos que Karl Ruttenstein (pope-ícono de la moda y descubridor de muchos diseñadores top) estaba en la mesa de al lado. Reunimos coraje motivados por el mozo marroquí que entendía nuestra conversión y le enviamos una nota con nuestra tarjeta. Se puso los anteojos y nos hizo llamar, quedó impresionado por nuestro back y quiso ver la colección al día siguiente y quedo prendado con ella. Llamó a todas las directoras de moda de Vogue , W , Bazaar y a otros stores como Barney’s, Jeffrey’s, Bloomingdale’s, Ikram, entre otros. Anna Wintour en persona fue la primera en ver nuestro trabajo y apoyarnos para estar en la Fashion Week, en calendario oficial y darnos paginas en Vogue. Fuimos tapa de WWD y un non stop de publicaciones. Volvimos a Buenos Aires a fabricar los pedidos, fuimos creciendo y nos fuimos mudando, porque todo quedaba chico. Terminamos con 42 empleados y viajando non stop Buenos Aires-New York. Fue muy vertiginoso.

¿Cómo te sentías circulando en la elite de la moda mundial?
Tuve dos periodos bien diferentes. Como estudiante en Berçot y haciendo pasantías, todo me parecía increíble. Y por supuesto, superaba mis sueños y fantasías. Aunque se empieza desde muy abajo, haciendo fotocopias, cafés, paseando el perro de la editora de Elle mientras visitaba a Lagerfeld… Y cada tanto te pedían una opinión y te sentías realizada. Más tarde tus opiniones se tomaban mas en cuenta y ya te compartian sus vidas, y ahí llegaba tu primer contrato por tiempo indeterminado. Eso era llegar al cielo. Pero el período de Vasseur Esquivel y el reconocimiento que tuvimos en New York y de nuestros pares fue testimonio de que el sueño americano no esta muerto.

Te bajaste de los Manolo Blahnik para irte a vivir a Oceania del Polonio en Uruguay y criar un hijo.
Fue todo muy natural, nos dejamos fluir y casi sin pensarlo mucho. Cuando nació Simón vino esa revolución que despierta la maternidad, que te das cuenta que existen otros mundos dentro tuyo, muy confortables y que merecen su tiempo. Así que con Zappa, mi marido, nos dimos este tiempo. Nos hicimos mas nómades. Cambié Manolos y Louboutin por botas hechas por artesanos en el pueblo de Castillos, y con mucho placer. Después de haber girado por el mundo, vivo gran parte del año en Oceanía, lugar mágico, en un rancho de madera súper charming entre el monte, las dunas y el mar. Ahora estoy preparando una línea de accesorios que espero dar a luz en marzo de 2011. Mientras, colaboro con Zappa en sus proyectos turísticos y en el restó El Huesoh donde él cocina. Nuestro hijo de 4 años va a la Escuela Rural y convive con 5 perros, 4 gatos, pájaros y caballos. Sin dudas acá me sirvieron esos tres años de arquitectura y mi vida de campo antes de descubrir la ciudad

¿Qué es lo mejor de los dos mundos, entonces?
Poder lograr hacer un todo entre los dos.
La naturaleza, la familia, lejos de alejarme, me han ayudado a estar más aguda, más reflexiva, y más en contacto que nunca con el mundo de la moda, un mundo del cual no se escapa fácilmente . Estoy siempre online y siempre actualizada. Vivimos en el monte, pero Zappa siempre parece salido del último Uommo Vogue y Simoncito tiene pasion por el ballet.

¿Y lo peor?
Ya pasó. Este año perdimos un bebé a los 5 meses de embarazo. Fue durísimo, pero salimos fortalecidos. Así que se viene lo mejor.

¿Cómo sigue el 2010 y el 2011?
Nos estamos yendo a Estados Unidos por unos meses. Agosto de vacaciones y después mix de business y placer.

¿Y en primavera?
En septiembre no me pierdo la Fashion Week en New York, un placer. Todas las windows del invierno que viene, un mix caotico de info al mismo tiempo que nos produce un éxtasis total a todos los bulímicos de la moda.

¿Cómo aterrizaste en Saint Martins?
Digamos que fui trabajando en mi plan durante varios años. Me enteré de la existencia de Saint Martins a los 14, por una revista. Dos años mas tarde nos mudamos a Barcelona. me quedaba por cursar 4to y 5to Año, asi que mientras terminaba el secundario me apunté en el Instituto Catalán de la Moda donde por las tardes aprendía a cortar, coser y dibujar. Al terminar la secundaria, me postulé, vine a Londres para una entrevista y me ofrecieron una plaza. Esto fue en julio y para septiembre ya me habia mudado. Primero a hacer un foundation course, digamos que es como un CBC en arte y diseño, y al año empecé el curso.

¿Cómo fue tu primer cuatrimestre de cursada, o semestre? ¿Qué cosas esperabas? ¿Qué cosas absorbiste?
Para mí estar en Londres ya era increíble. Mis primeros meses fueron intensos, me pasaba todo el día en la universidad. teniamos entregas cada jueves y era como que no me alcanzaba la semana. Aparte, veía a mis compañeros y pensaba: tengo que hacer mas, dibujar mejor, ir mas a la biblioteca… Sólo quería aprender, miraba todo: qué usaba la gente, mis compañeros, qué vendian las tiendas, dónde se salía, qué había en los museos. Era una especie de esponja.

Influencias, gustos, conceptos y nociones que terminan en tu ropa. ¿Qué hace a Flor Kozuch?
Yo siempre digo que desde que empece a dibujar vengo trabajando en el mismo projecto. Me interesa la estructura de las cosas, los volúmenes que crean nuevas siluetas. los materiales y texturas poco convencionales. lo que más me inspira es la música, cada colección viene con una banda sonora especifica. Por ejempo con la coleccion de Selknam, o onas, estaba escuchando Spacemen3, My Bloody Valentine y ese fue el resultado. Hoy mas que nada miro ropa y objetos, cómo están cortados, qué materiales se usan, con qué se mezclan. También miro cómo otros emplean los colores y los estampados y de ahí empiezo con mi investigacion.

Volver para trabajar en Argentina: ¿es una opción?
De momento tengo todo organizado en Londres, pero no descarto hacer parte de mi actividad en Argentina.

La colección que mostraste en Ones To Watch fue increíble.
Para esa colección mi idea era usar materiales estrictamente de la fauna autóctona argentina. Al final terminé trabajando con Cimanes de Formosa, porque amo los crocos, y erizos de mar que son muy punk por su inusual textura. También usé lana sin procesar de la Patagonia y mohair para nuestros tejidos y alpaca y asta para los accesorios hechos a mano.

¿Y la nueva que estás armando?
Por ahora es rara y femenina, un poco florida, un poco rock n’ roll, como si a unos vestidos de cocktail los hubiese agarrado un gato.

Saint Martins, ¿en qué te redirecciona la cabeza?
Saint martins es un lugar excéntrico, donde se te exige al máximo, ellos están seguros del potencial de sus alumnos y uno vive con una constante presión por alcanzar un objetivo que parece imposibe. A la larga creo que eso es lo que te lleva a superarte y para mí ese es su secreto y su atractivo.

¿Cómo fue el approach de Vader Project? ¿Qué les pareció la propuesta? La lista de nombres es heavy: Baseman, Biskup, Soto, Brian Morris.

Nos contactó DKE, reconocido distribuidor de toys de Estados Unidos, con quien ya habíamos tenido trato en el pasado (normalmente distribuye productos de DGPH como ser toys y libros), nos ofreció ser parte del proyecto, y entramos de una. Para ese entonces el proyecto ya estaba avanzado, había varios cascos dando vueltas por el mundo, por lo que sabíamos de qué se trataba y cómo venía la mano. La propuesta es muy buena y la calidad de los trabajos es increíble. Hay muchos artistas a quienes seguimos hace mucho, como Tim Biskup o Amanda Visell que hicieron piezas fantásticas. La verdad que estamos muy contentos de ser parte del proyecto.

¿Cómo fue darle un tratamiento DGPH a personajes que ya son clásicos, pintados encima de un clásico también? Greedo, Yoda, la Estrella de la Muerte, etcétera.

Al principio fue raro. Recibimos el casco de Darth Vader en una caja gigante, dentro de una bolsa de tela afelpada. Verlo por primera vez fue algo especial: como ver por primera vez la película. Volvimos a ser niños de nuevo cuando nos pusimos el pesado casco del lado oscuro, por lo que fue muy difícil pensar en la idea de pintarlo. La verdad, era arruinarlo. El casco de por si tiene mucha carga conceptual: es la representación del mal por excelencia (despues de la imagen del Diablo con cuernos echando fuego, claro está.) Ademas ya habíamos visto bastantes propuestas, por lo que nos parecio más interesante pensar el casco como un canvas blanco, y sobre eso comenzar a diagramar algunos personajes con el estilo del estudio. Fue una experiencia interesante. Aunque hoy en día seguimos pensando que arruinamos un casco hermoso.

¿Cuán importante es Star Wars para el mundo DGPH?¿Forma parte de su cultura?

Y en mi caso particular crecí viendo Star Wars. Es una de esas películas que te marcan, de las que repiten los fines de semana y la volvés a ver a la semana siguiente. De chico (y todavia los conservo) tenía algunas de las figuras, R2D2, Vader, el Emperador, Luke. Siempre me gusto la historia, esa mezcla de misticismo, magia y tecnología. Creo que forma parte de DGPH desde el punto de vista de crear mundos mágicos y diferentes, llenos de criaturas peludas, formas raras y metáforas disfrazadas.

Ya habían hecho Ark Project. Cómo es formar parte de un catálogo colectivo con gente de todo el mundo? Poner su visión entre otras visiones de un mismo tema, su versión.

Es interesante ver cómo otros interpretan lo mismo de un modo distinto. Ver qué tratamiento le dan a un tema, varía de dónde estén, con qué herramientas trabajan y el entorno cultural que los rodea, más allá de las aptitudes personales.Con el Ark Project, con cientos de estudios del mundo eligiendo un animal y desarrollándolo, pudimos proponer nosotros la forma de trabajo y ver qué reacciones había en otras partes del mundo. Recibimos muchísimas propuestas, muchas quedaron afuera por espacio y tiempo, que nos da la pauta de la variedad y riqueza de propuestas que hay. Y nos permite pensar en una segunda etapa del proyecto, por la increíble respuesta que recibimos. En el caso de Vader Project, es más complicado quizá, porque se trabaja sobre algo más limitado en cuanto al concepto y el medio. Y al mismo tiempo, tiene una carga conceptual y cultural mucho más fuerte, que hay que respetar a la hora de trabajar. Las libertades que uno se puede tomar son menores. Pero formar parte de una muestra sobre un ícono de nuestra generación, transformándolo en una pieza de arte, es algo que nunca pensamos posible.

Update de DGPH. ¿Qué hay de nuevo?

En este momento, las pantallas de leds que se encuentran en las calles de Akihabara, Tokyo, están pasando un video de DGPH para deleite de millones de japoneses. Estamos hacindo algunas pruebas de animación, viendo posibilidades de hacer mini series de dibujos animados o cortos tipo cartoon. El 1ro de Abril, se abrió la muestra “Journey to Molestown”, en Glaeria 1988, San Francisco. Una mezcla de piezas pintadas en madera y papel que grafican el mundo y sus habitantes que hemos creado. Acabamos de lanzas pendrives con Pretec de Taiwan, o los Earloomz, auriculares Bluetooth customizados. También, “Space Cadet Topo” que será editado por Immedium tambien en Estados Unidos. Un libro para chicos sobre las aventuras de un topo en el espacio.

TEXTO: Andrea Saltzman
FOTOS: Jorge Miño

El proyecto del desfile surgió de Adriana Rosenberg, la directora de Fundación Proa. Y nuestro vínculo con la Fundación es muy fuerte porque el área educativa es muy importante y el museo es un verdadero referente del arte y la cultura. Yo había curado una muestra aquí en el año 2003 que se llamó Moda, sobre el desarrollo del diseño de indumentaria en la Argentina desde la postdictadura hasta la contemporaneidad. De hecho en aquel entonces el que me contactó fue Sergio Avello, que me conocía de la época floreciente de los movimientos de arte-moda en la Argentina con Grippo, DeLoof, Bunader, Lacroix, Baño, Kelo Romero y tantos otros, toda una generación maravillosa que significó el alma de lo que después configuró el mundo del diseño. Por eso, íntimamente, este era un homenaje a esta gran persona y artista que fue Sergio Avello.
Creo que es imposible pensar en el diseño sin anclar en el arte. El arte es indudablemente la expresión mas descarnada de una época. No sólo un referente estético sino una manera de leer e interpretar el mundo. Y el universo futurista es un referente para todas las áreas del diseño. Pensó en el arte como manifestación de lo cotidiano. Su desarrollo en el diseño gráfico, la vestimenta, la comida, la danza y la música contemporánea, la poesía, incluso en la arquitectura, plantea una verdadera ruptura en la visión del mundo. Este movimiento es un símbolo de la modernidad. Surge con la luz eléctrica y la transformación de las ciudades que se desprendieron del ritmo del sol adquiriendo una nueva dinámica con la velocidad del automóvil. Un movimiento contradictorio y netamente italiano, belicoso y fascista. El desafío de la cátedra, del equipo docente y de los alumnos, fue reinterpretar este movimiento desde la contemporaneidad. No adherimos a los ideales futuristas, a su agresividad, al racismo, a la noción del hombre por encima de la naturaleza. Trabajamos a partir de la muestra que era sumamente didáctica y desde el manifiesto de la moda futurista, pero desde una mirada comprometida con nuestra realidad.
En el desfile hubo cuatro pasadas que correspondieron con cuatro ejercicios que trabajamos en los tres niveles de la cátedra. En primer año los chicos retomaron el universo estético con estampas a modo de tatuaje revalorizando la anatomía a través de una silueta adherente, pero resignificando el discurso. En segundo año el tema fue la deconstrucción del traje, que es uno de los temas fundamentales del manifiesto. Los parámetros: la ruptura con la severidad del órden establecido a partir del traje como paradigma del hombre de negocios, la revalorización de un aspecto más dinámico, deportivo y sensible, el confort. En Tercer Año tomamos los aspectos inherentes a la transformación y la flexibilidad. Era una propuesta de nomadismo urbano. Conjuntos compuestos por prendas superpuestas incluidos impermeables. Cada prenda se podía intervenir y accionar por el usuario, acortar alargar, transformar la silueta. Pero también exploramos en el aspecto lúdico y la percepción todas propuestas planteadas en el manifiesto. Los trajes danzantes fue la única parte del proyecto que teníamos desarrollada del año pasado. Es un ejercicio de segundo año en el que articulamos la capacidad de transformación del textil con los movimientos del cuerpo. La dinámica del movimiento y la transformación son temas fundamentales del espíritu futurista. Con respecto a la música, el arquitecto Carlos Campos, profesor de la Fadu, armó una composición con los sonidos del museo, que fue la introducción al evento.
La música del desfile la compuso el DJ Felipe Zamorano Graffigna, que trabajó desde el manifiesto de la música, las producciones musicales y la noción del futurismo hoy a partir de los sonidos y la tecnología contemporánea. Un auténtico investigador. La participación de Martín Churba como modelo fue simplemente un gesto de cariño. Con Martín nos une una gran amistad y un profundo afecto. A una alumna le faltó el modelo y Martín se propuso de una.
En un principio el desfile se pensó en el interior del museo como un recorrido continuo pero luego nos dimos cuenta que la cantidad de gente desbordaría el museo. De allí surgió la mejor idea. Adriana Rosenberg decidió sacar el desfile a la calle y se armó la fiesta. El evento se entramó en la ciudad: Proa, la cátedra, es decir la facultad, la Boca, la gente y un día casi veraniego en pleno invierno. No existe nada mejor que el espacio público. Ese es el lugar de la cultura. El espacio fundamental del encuentro. Desde acá todo fue alegría. La posibilidad de compartir.
Sólo me queda agradecer a Proa que nos brindó todo su apoyo y capacidad, a Adri, Victoria, Aimé, Andrés, Juan Pablo. A mi maravilloso equipo docente con los que nos une el entusiasmo de generar proyectos y aprender, A los alumnos por sus ganas y su entrega. A la cátedra de Imagen y Sonido de Eduardo Feller que desarrolló el video. A los chicos que desfilaron, a los bailarines, A Andre, a Felipe. Trabajar con ganas y en equipo es increíble pero compartirlo con la ciudad, es maravilloso ¿Qué más se puede pedir?

Andrea Saltzman junto a sus alumnas

TRAJES DANZANTES QUE SE TRANSEFORMAN CON EL MOVIMIENTO DEL CUERPO
Segundo Año Boloque Lucrecia – Tausk Cármen

FOTO 1: Ortiz Florencia – Pampin Giselle / FOTO 2: Lombard Julieta – Carrasco

FOTO 1: Verdinelli Camila – Flores Loana / FOTO 2: Salvatore Camila – Negretti Juliana

REMIX SASTRERIA – DECONSTRUCCION DEL TRAJE / Barreras Mercedes – Costa Milena

¿Cómo nace Casa Chic Deco?
Nace de una manera muy natural, ya que en los últimos 10 años no paramos de decorar los espacios en nuestras casas, lugares de descanso, etcetera, y el broche fue en José Ignacio cuando se armó Casa Chic. Vimos plasmado nuestro estilo ahí y a la gente le súper gustó, esa propuesta de vivir en lugar cálido, estético y cero pretencioso pero muy canchero y coqueto a la vez.

¿Y cuál es la búsqueda?
Al decorar ponemos con Fede objetos, muebles, lo que sea para lograr el clima deseado y la verdad que la búsqueda es infinita. Nos encanta jugar con todo esto, es por eso que para el local lo que van a encontrar es todo lo que yo me
compraría, todo aquello que busco y me cuesta encontrar: aromas, objetos de todo tipo, como floreros, macetas, velas, perfumes, muñecos de tela, pompones, mantas, almohadones, acolchados, toallas súper decoradas, manteles, vajilla, repasadores, blanquería. En fin, cosas para toda la casa, todo con algun detalle. Vivo en la búsqueda constante de cosas que me atraigan y generen interés, y pienso en lo que la gente necesitaría para decorar.

Hay como una infancia en esto, un dejo Sara Kay.
Hay como mucho estilo de la abuela, esa cosa que da vida vivida,muchas puntillas, galones, bordados y géneros amorosos. Sara Kay es mi muñeca preferida, siempre la amé y me identifico con todo su vestuario. Me remite a una infancia aniñada con carácter francés y toques ingleses.

¿Cómo se une Casa Chic Deco a KSK?
Se une a KSK ya que el estilo es el mismo: mucha variedad, mezclas de texturas, colores, procesos que te marcan un lifestyle. Para mí Casa Chic marca cómo me gusta vivir, es cómo vivo, lo que elijo, es nuestro reflejo mostrado quizás desde otro lugar, es lifestyle. Encontré una manera más de crear cosas que me dan placer.