¿Cómo fue el approach de Vader Project? ¿Qué les pareció la propuesta? La lista de nombres es heavy: Baseman, Biskup, Soto, Brian Morris.

Nos contactó DKE, reconocido distribuidor de toys de Estados Unidos, con quien ya habíamos tenido trato en el pasado (normalmente distribuye productos de DGPH como ser toys y libros), nos ofreció ser parte del proyecto, y entramos de una. Para ese entonces el proyecto ya estaba avanzado, había varios cascos dando vueltas por el mundo, por lo que sabíamos de qué se trataba y cómo venía la mano. La propuesta es muy buena y la calidad de los trabajos es increíble. Hay muchos artistas a quienes seguimos hace mucho, como Tim Biskup o Amanda Visell que hicieron piezas fantásticas. La verdad que estamos muy contentos de ser parte del proyecto.

¿Cómo fue darle un tratamiento DGPH a personajes que ya son clásicos, pintados encima de un clásico también? Greedo, Yoda, la Estrella de la Muerte, etcétera.

Al principio fue raro. Recibimos el casco de Darth Vader en una caja gigante, dentro de una bolsa de tela afelpada. Verlo por primera vez fue algo especial: como ver por primera vez la película. Volvimos a ser niños de nuevo cuando nos pusimos el pesado casco del lado oscuro, por lo que fue muy difícil pensar en la idea de pintarlo. La verdad, era arruinarlo. El casco de por si tiene mucha carga conceptual: es la representación del mal por excelencia (despues de la imagen del Diablo con cuernos echando fuego, claro está.) Ademas ya habíamos visto bastantes propuestas, por lo que nos parecio más interesante pensar el casco como un canvas blanco, y sobre eso comenzar a diagramar algunos personajes con el estilo del estudio. Fue una experiencia interesante. Aunque hoy en día seguimos pensando que arruinamos un casco hermoso.

¿Cuán importante es Star Wars para el mundo DGPH?¿Forma parte de su cultura?

Y en mi caso particular crecí viendo Star Wars. Es una de esas películas que te marcan, de las que repiten los fines de semana y la volvés a ver a la semana siguiente. De chico (y todavia los conservo) tenía algunas de las figuras, R2D2, Vader, el Emperador, Luke. Siempre me gusto la historia, esa mezcla de misticismo, magia y tecnología. Creo que forma parte de DGPH desde el punto de vista de crear mundos mágicos y diferentes, llenos de criaturas peludas, formas raras y metáforas disfrazadas.

Ya habían hecho Ark Project. Cómo es formar parte de un catálogo colectivo con gente de todo el mundo? Poner su visión entre otras visiones de un mismo tema, su versión.

Es interesante ver cómo otros interpretan lo mismo de un modo distinto. Ver qué tratamiento le dan a un tema, varía de dónde estén, con qué herramientas trabajan y el entorno cultural que los rodea, más allá de las aptitudes personales.Con el Ark Project, con cientos de estudios del mundo eligiendo un animal y desarrollándolo, pudimos proponer nosotros la forma de trabajo y ver qué reacciones había en otras partes del mundo. Recibimos muchísimas propuestas, muchas quedaron afuera por espacio y tiempo, que nos da la pauta de la variedad y riqueza de propuestas que hay. Y nos permite pensar en una segunda etapa del proyecto, por la increíble respuesta que recibimos. En el caso de Vader Project, es más complicado quizá, porque se trabaja sobre algo más limitado en cuanto al concepto y el medio. Y al mismo tiempo, tiene una carga conceptual y cultural mucho más fuerte, que hay que respetar a la hora de trabajar. Las libertades que uno se puede tomar son menores. Pero formar parte de una muestra sobre un ícono de nuestra generación, transformándolo en una pieza de arte, es algo que nunca pensamos posible.

Update de DGPH. ¿Qué hay de nuevo?

En este momento, las pantallas de leds que se encuentran en las calles de Akihabara, Tokyo, están pasando un video de DGPH para deleite de millones de japoneses. Estamos hacindo algunas pruebas de animación, viendo posibilidades de hacer mini series de dibujos animados o cortos tipo cartoon. El 1ro de Abril, se abrió la muestra “Journey to Molestown”, en Glaeria 1988, San Francisco. Una mezcla de piezas pintadas en madera y papel que grafican el mundo y sus habitantes que hemos creado. Acabamos de lanzas pendrives con Pretec de Taiwan, o los Earloomz, auriculares Bluetooth customizados. También, “Space Cadet Topo” que será editado por Immedium tambien en Estados Unidos. Un libro para chicos sobre las aventuras de un topo en el espacio.

¿De dónde viene todo esto?
¡De muy chico! Las clases de arte a las que fui cuando tenía 5 eran más que nada instrucciones de dibujo de naturalezas muertas que el professor montaba, más que nada con carbonilla y papel, cosas simples, rudimentarias. Atravesé varias clases y profesores, pero alrededor de los 9 comencé a aprender a pintar en oleo. Y crecí en los fifties, fui de la primera generación de chicos americanos influenciados por las imágenes que salían de la tele en un grado muy heavy. Cartoons de los ‘30s y ‘40s, sci-fi, western, cine de guerra y monstruos de goma, así como shows de marionetas y variedades, como Howdy Doody.

Es plena era de la paranoia nuclear.
¡Totalmente! Al mismo tiempo, tenías la amenaza constante de la guerra nuclear que te pendía sobre la cabeza, lo que me produjo mucha ansiedad. Cada semana, había un test público de alarmas de ataques aéreos, y una vez por mes, el famoso “duck and cover”, donde teníamos que escondernos debajo del pupitre en caso de que cayera la bomba. La imágen de fantasia que disfrutaba de la tele y los comics, combinado con mi sentido exacerbado de la ansiedad con respecto al mundo real que me rodeaba, formaron mi primer sentido estético. Después, en la secundaria a fines de los ‘60s, me interesaron muy fuerte los posters de las fiestas psicodélicas que se hacían en San Francisco, y los comics underground, como Zap de Robert Crumb. Y en el verano de 1970, pude viajar a Europa. Parado frente a las pinturas de los maestros renacentistas en la galería Uffizi en Firenze tuve la idea de combinar mi amor por los cartoons y la cultura pop con las técnicas de los viejos maestros. Era una ambición que me iba a tomar muchos, muchos años.

Trabajaste en ilustración comercial mucho tiempo.
Sí, y cuando pude dejarla, me sentí genial. Era libre. Podía dedicarme a mis locuras finalmente.

El surrealismo pop es una forma de arte genuínamente americana. ¿Es un movimiento realmente?
Es que en verdad, surrealismo pop, lowbrow art, o como sea que lo llamen, son términos que intentan definir un rango muy amplio de artistas y formas de arte, que en muchas instancias tienen solo conexiones marginales entre unos y otros. Creo que, a la larga, y como pasó con el mejor arte a lo largo de la historia, el arte que se hace hoy en el mundo va a definirse por el artista, no por un movimiento, y el público que mira va a decir qué le parece. Creo que por ahí pasa la cosa.

¿Cuánto tiempo y planeamiento te toma un lienzo de gran tamaño? El nivel de detalle es alucinante.
Usualmente, me toma un mes preparar el dibujo para un lienzo grandote como “Ape Worship”. Hace poco, estuve haciendo un estudio de color que me ayuda a a visualizar el esquema que estoy buscando. Una vez que aumento el dibujo y lo paso a lienzo, puede tomarme un mes, ¡o nueve! Depende siempre del tamaño y la complejidad. “Ape Worship”, por ejemplo, me tomó un año desde el boceto inicial hasta la pintura terminada, y diseñar el marco ornamental gigante.

El surrealismo pop, usualmente, es muy inocente, inofensivo, pero tus obras tienen un toque de malicia, de perversion.
Bueno, ese es mi ángulo y mi mirada con respecto al mundo que me rodea. De nuevo, se retrocede a mi infancia temprana, y desde ese momento, tuve la actitud y la noción de que las cosas no son como realmente parecen en su superficie, que debajo del velo fino de la civilización existe un universo realmente predatorial que puede desatar pánico y catástrofe en un pestañeo si no tenemos cuidado. En verdad, trato de ser optimista al respecto, el don de la inteligencia humana nos va a salvar de la extinción.

Debes tener tus favoritos culturales, calculo.
Para serte honesto, nunca me emocionaron mucho los superheroes en libros o comics. Por una razón que desconozco, ese es un aspecto de la cultura pop que nunca pudo encajarme sus anzuelos. Lo más cercano a un héroe que disfrutaba de chico era Turok, Son of Stone, del que pocos se acuerdan. Hay toneladas de films de sci-fi y horror que me encantan, pero si me tuviera que quedar con uno, es el film original de King Kong de 1933, en toda su gloria. Tele, sin dudar, Walt Disney’s Wonderful World of Clor. Y de grande, ¡The Sopranos!

¿Un día en la vida?
¡Es increíblemente emocionante! Me levanto a las diez, salgo a correr mis ocho kilometros, vuelvo para desayunar, me ducho, después a trabajar, almuerzo a las 3, de vuelta a trabajar, ceno a las 8, y más trabajo hasta la medianoche. Por supuesto que varía si hay obligaciones sociales. Como te dije: ¡increíblemente emocionante! ¡Ja, ja, ja!

“American Surreal” realmente decodificó el hecho mutante que es la cultura americana.
Estados Unidos puede ser un lugar muy mutante, sin dudas, pero todo el mundo realmente lo es si te ponés a pensar. Dependiendo de cómo lo mires, raro o mutante puede ser algo hermoso, lleno de maravillas, estimulante. Lo que es de verdad mutante es cómo el sentido común puede volverse tan poco común. Eso nunca déja de sorprenderme.

Tu estilo de pintura siempre fue practicado por hombres de más de 50 y algo perversos. Pero aquí, encontramos a una chica de 27. ¿Todavía hay un prejuicio machista contra las mujeres en la pintura?
El mundo del arte todavía es un lugar muy sexista, aunque creo que hubo avances. Pero creo que los desafíos que las mujeres artistas encontramos son motivadores, me inspiran. Y estoy atraída al arte masculino, y a pintores masculinos, porque el personaje del macho me parece interesantísimo. Es más: muchos piensan que soy un hombre, porque mi nombre es muy neutral. Pero me gusta chocar contra creencias y supuestos: es algo que terminé por abrazar.

Hay mucha investigación histórica en tu obra, episodios americanos.
Tengo un amor muy intenso por todo lo histórico, desde chica. Me fascina en general, especialmente la Americana. Somos una nación con pocos momentos genuinamente históricos, en verdad, pero con incontables mitos. Tenemos la libertad relativa para inventar nuestra propia historia inclusive. Estados Unidos es un país nostálgico por un pasado que nunca ocurrió, y eso lleva a un malrecuerdo colectivo, a una perversion de la historia. Para serte sintética, somos un país construído sobre mitos, y el espectáculo deslumbrante de cómo fueron perpetuados.

Los outfits para las aperturas de tus muestras son bastante deslumbrantes. Showgirl estilo Las Vegas, cosas así.
¡Es que siempre quise ser actriz! Mis inauguraciones son realmente un momento para disfrazarme de cosas que me inspiran o me inspiraron, y que se relacionen a los trabajos que presento. Y si, ¡son bastante deslumbrantes! Crecí con un interés muy fuerte en la vestimenta de otras epocas, y es algo muy importantes para mí todavía. De chica, me encantaba jugar al disfraz, el hecho de ponerme una peluca y tener una apariencia distinta era algo muy loco para mí. Fui a un colegio muy conservador, así que aprendí a expresarme más allá de los confines de la secundaria. Todavía me dura, ¡así que no creo que fuera una fase!

Tu obra también se separa de cualquier tendencia en el arte contemporáneo. Nada de hiperrealismo, pop inocente o inspiración callejera. Más aún en Los Angeles.
No sé si salgo ganando. No pienso en esos términos. Pero siento que estoy haciendo mi propia cosa aquí en Los Angeles, sin una escena de artistas a la que me sienta conectada. Pero también hay otros como yo, sorprendentes, que hacen su propio camino. Las tendencias en el arte son siempre extrañas, y por supuesto, vienen y van. Pueden amar tu obra un día y odiarte al siguiente, así que trato de no pensar al respecto y seguir pintando.

¿Qué tal fue colaborar con Nike para Stages, y para la fundación de Lance Armstrong?
Fue genial hacerlo, y poder contribuír. O sea, es difícil que no conozcas a alguien cuya vida no haya sido tocada por el cancer en alguna forma u otra. Lance es un gran ejemplo en ese sentido, un luchador, aunque suene cursi, y una persona sorprendente. Además, ¡la muestra tuvo grandes artistas! Me siento bastante honrada.

La primera vez que vi tu obra, fue como: “¡Wow, Francis Bacon volvió de la tumba!” Si de algo era capaz Bacon, era de espantar a la gente con sus pinturas.
¡Espero que a mí me salga eso también! Me atraen los ambientes excesivos, extremadamente decadentes, los espectáculos de mal gusto. Espacios que son seductores y grotescos por igual. Me gusta jugar en esa línea, y en cómo esos ideales pueden ser lanzados el uno contra el otro. Algo resulta de todo eso.

Ciertamente hay influencias esotéricas en tu obra. La cruz de brazos equilaterales, mitos griegos como la Lamia, imágenes remixadas del tarot, runas o imágenes masónicas, alfabetos de lenguas muertas. Es contenido pesado.
Tengo que admitir que tengo una atracción muy fuerte por el misticismo y la trascendencia desde que era chiquito. Nunca pude quitarme esa obsesión de encima, y si algo pasa, es que se vuelve más fuerte a medida que envejezco. No soy miembro ni devoto de ningún culto, religión u organización, te aclaro, pero los símbolos que pinto tienden a tener significados muy flexibles en mi mundo, no suelen coincidir con los significados que usualmente les ascriben.

Es la teoría elemental del símbolo: sus lecturas son inagotables.
Exacto. Y me atraen por rezones que ni siquiera yo entiendo. No trato de explicar demasiado lo que pinto, prefiero dejar eso abierto. Y francamente, pinto para mí, no por una audiencia. La idea es que vos respondas en base a tus propias experiencias y conocimientos. Una vez que termino un cuadro, lo suelto, me lavo las manos y dejo que viva su vida.

Hace un tiempo hiciste una tapa para un libro de J.M Coetzee, una edición de Penguin. Es un cierto honor. Las tapas de libros son algo codiciado por cualquier ilustrador.
Tal cual, es un honor. El libro es fantástico, y me encanta ser parte de él aún en una forma tan periférica. Trabajar con Penguin, una editorial gigante, fue muy bueno. Después de eso me decidí que las únicas comisiones comerciales que voy a aceptar serán las de libros y literatura. Cualquier otra cosa me caería mal.

Venís del tattoo, de darlo y recibirlo. ¿Cómo empezó todo?
Empecé de muy chico. Mi primer experimento con una aguja fue como a los 13, y mi primer tattoo eléctrico ocurrió un par de años después, en el 87, creo. Y mi interés originario vino de películas y libros, personajes como Quiqueg, el indio de “Moby Dick”, José Arcadio de “Cien Años de Soledad” o Robert Mitchum en “Night of the Hunter”. Me fascinaba la idea, me hablaba de una experiencia exótica, de vidas vividas fuera de la reja restrictiva de la sociedad normal, una especie de libertad algo siniestra, me enganché, y empecé a tatuar a pleno a los 20, casi, primero lógicamente como aprendiz en un estudio. Después fue una aventura: New York, Londres, Tokyo.

¿Y qué pasó? ¿Por qué te retiraste?
Ya no podia soportar la presión constante y el contacto humano que implicaba. Creo que me convertí un poco en un sociofóbico o algo así, porque me siento mucho más feliz solo en casa con mis gatos, sin gente alrededor. Puedo pensar más claro, sentir más claro, sin que me distraigan o me estresen.

Tu trabajo tiene un sentido de oscuridad, de amenaza, como que hay algo casi demoníaco en el fondo. No es el típico surrealismo pop americano, que suele ser un montón de referencias pop y monstruítos chistosos.
Si mi trabajo tiene un sentido de amenaza es porque lo percibo en el mundo que me rodea. Y no soy muy fan del surrealismo pop, para nada, no me gusta el término. Si tiene que haber un término para los mejores ejemplos de este supuesto estilo, le pido prestado a mi amiga Kirsten Anderson que dice que es “neo-simbolismo.” Me siento muy conectado a los pintores simbolistas de fines del siglo XIX, tanto en estilo como en manejo de un tema. También la cultura pop me influencia, no te lo voy a negar, pero es algo de lo que estoy empezando a alejarme intencionalmente.

También trabajás con dorado a la hoja.
Y es más fácil de lo que parece, solo que hace ver a todo un poquito más costoso. Francamente, me compré un kit en la librería de materiales, venía con instrucciones y todo.

Pero es un recurso y una habilidad tradicional, al fin y al cabo. La mayor parte del arte contemporáneo es alto en concepto y bajo en técnica.
Sin embargo, no soy tan técnico ni preciso ni técnicamente perfecto como usualmente me acusan. Cuando termino una pieza, lo único que veo son las inconsistencies. Recién mucho tiempo después puedo volver a verla con las cosas en claro.

Entonces, ¿qué compone el lenguaje visual de SekretCity?
Quiero crear historias que no tengan un final. Siento que desarrollar el drama de una narrativa dejándola abierta la mantiene con vida, porque una vez que algo termina y te lo explican o lo entendés, el misterio se acabó, la obra está muerta.

¿Y lo que sigue en el plan?
Eso es algo que me pregunto cada mañana.